Photography

CRR_2879_04_meThe photography and I’ve been friends since my early adolescence. I’m from a family without pictures and no «official» camera. I barely remember one or another little 110mm camera, and the short-lived plastic of 35mm rolls. Those where the cameras with the viewfinder in the upper left corner, with uncertain flashes, that my mother never gets to manage, always putting the subject too proximate to the left or right corners, and probably without head. The good images we conserve were mainly taken by others. One of my uncles was great fan of the still image. He photographed, took short films with his Super 8mm, and also tried sometime painting. Because he had the resources, he was the only member of the family I saw with complex, more professional equipment, from the typical point-and-shoot to the medium format, if my illusory memory doesn’t lie. That’s it.

By being since twelve in a Visual Arts School, it was impossible for me don’t be related to photography in one way or the other. Once I had the resources, I bought a Yashica FX-3, very cheap, all plastic, and completely manual. Because the high cost (at least for a poorly young like me) of the 35mm rolls and the printing, I recall taking many photos, but develop only a little bunch of them. During those early days, I didn’t know the tricks of the developing process by myself, therefore I sent all my rolls by mail, at the risk of losing them, to some unknown photo lab in the east coast of the US. The total process forth and back, was always secure and with unexpected results. Of those images, the most emotionally I thought, were simply dull, while other, less interesting for me, were intriguing by composition and color.

At the end, I lost everything. Or almost everything. From that time a preserve only a bunch of images. That’s another story.

Later, after been more than twenty years in computer programming, and have seen the digital revolution of the image, I decided to return seriously to photography. I’m not saying that during that whole time I didn’t take any picture. That would be imposible, including for the most far-away anti-technological person, which is not my case of course. I mean that only since the first days of this year (2017) I decided, thanks that I could, make photography related projects. Acquire the required gear wasn’t too much of a problem. Neither was a great dilemma regaining the understanding of the aperture, the shutter speed, and the ISO (ASA was for me). But having the time to make pictures, taking decisions about my photography inclinations, that is another thing.

I must confess that nowadays, all the technical stuff is very easy. Nobody have to know something about the light phenomenon to take a «good» picture, including with a smartphone. This is why in front of a likable picture—that one that stop you more than one minute—we are inclined to ask: «which camera you used to take it?». We think that all the goodness is a matter of equipment, and less about the eyes who decide the point of view, the frame and composition, the instant for the shot.

My evaluative criteria is founded on the image and content building skills and mastery.

There are images that can be distinguished because of the beauty or interest of their content. Those images don’t display great skills, because they are plenty by the elements they show. This is very common on landscape and wildlife photos. Taking a picture of geographically, inaccesible, places or exotic species doesn’t occur every day. In those case, the artist is praised by the feat of being there, looking with his or her own eyes, the scene that we can’t reach. Think about the great Ansel Adams with his powerful and detailed images of the Yosemite park.

But also, by that criteria, there are images with surprisal, impressive, content. Those are images that show the «decisive moment» à la Cartier-Bresson. Facing the fleeting of the perception, the quick reflexes over the shutter release button, the recognition of the right moment, the eyes pointing to a special place, reward the artist. The beauty of these images navigates between the marvelous content and the photographer skills. Their content is not the only thing that please us, but how it is displayed into the frame. And that, is the hand of the artist. Henri Cartier-Bresson is the epitome of this current, strongly attached to street photography and photojournalism.

The rest of the photos stand out, not by their content, nor the pertinent presence of the eyes, but for all the photographic skills they display. They are the skillfully images, which beauty emanates by the «making» of their structures. The studio images, in interiors or in the outside, are the most obvious cases. The artist creates the content, introduces the subjects, dressing or undressing them, put them in the exact place where the beauty resides. For those kind of images, I can’t decide for single artist. In portraiture, Arnold Newman greatly surpass all others, initiating a whole school around the «environmental portrait». In fashion, I can’t hide my love for Richard Avedon. But there are many others great studio photographers.

For now, I’ve been working in several projects. One of them is a serial about common live, street photography: «Holidays P. R.». These are a set of images taken in days or special moments. Images of my wanderings around the cities of my country, looking, waiting the unexpected; finding the beauty in those common things we normally consider boring, dull. There is beauty everywhere. The result of this project will be an initial book which I hope to finish this summer (2017). Then, I plan to recurrently publish others  for the serie. I hope you enjoy it!

Below, I put some direct links to posts about photography and the projects.

Week of MASP

Aperture and Shutter Priorities, when and why

The Program Mode

Street Photography: myths and stereotypes

Spot Metering versus Exposure Compensation

Fishing, Finding, and Following

The Decisive Moment: a definition

Composition: A Definition Proposal Using Patterns

Composition: Rule of ThirdsComposition: the Focal Point (a.k.a. the Subject)

Spanish version

(La fotografía y yo nos conocemos desde mi adolescencia temprana. Provengo de una familia sin fotos y sin cámara «oficial». Apenas recuerdo una que otra camarilla de cartucho de 110mm o las de muy corta vida con rollo de 35mm. Eran las cámaras de visor apartado a la izquierda, con flashes inciertos, que mi madre nunca logró dominar colocando el sujeto o muy a la derecha o muy a la izquierda, sin cabeza. Las buenas imágenes que guardamos fueron casi siempre tomadas por otros. Uno de mis tíos fue un gran aficionado a la imagen. Fotografiaba, filmaba en 8mm, e intentó alguna vez la pintura. Como tenía los medios, fue el único al que le vi con cámaras más complejas, más profesionales, desde instantáneas, y alguna de medio formato, si es que mi memoria ilusionada no está imaginando las posibilidades. Eso es todo.

Por mi educación desde los 12 años en una escuela de artes visuales, me fue imposible no vincularme a la fotografía de algún modo. En cuanto tuve medios, me compré una Yashica FX-3, muy económica, toda de plástico, y completamente manual. Por el costo de los rollos de 35mm y el revelado (al menos para un joven como yo era), recuerdo que tomaba muchas fotos y revelaba muy pocas. En esos primeros días no conocía la magia del revelado propio, por lo que enviaba los rollos por correo, a riesgo de pérdida, a un laboratorio en la costa este de EE. UU. El proceso de ida y vuelta siempre me fue seguro y con resultados inesperados. Aquellas imágenes que me emocionaba haber tomado resultaban comunes, mientras que otras resaltaban por su intrigante, para mí, composición y colorido.

Al final, lo perdí todo. O casi todo. Conservo de esas imágenes muy poco. Pero, eso ya es otra historia.

Tras haberme dedicado por 20 años a la programación y haber visto la revolución digital de la imagen, regreso con seriedad a la fotografía. No quiero que se entienda que nunca tomé una imagen durante este tiempo. Eso sería imposible hasta para el más ajeno a la tecnología, lo cual no es mi caso. Me refiero a que sólo este año (2017) decidí, gracias a que puedo, hacer proyectos relacionados a la fotografía. Adquirir el equipo necesario no fue mucho problema. Retomar el entendimiento de la apertura, la velocidad del obturador y el ISO (antes para mí, el ASA), tampoco fue un dilema mayor. Tener el tiempo para fotografiar y elegir una dirección en torno a contenido, ya es otra cosa.

Debo confesar que hoy día todo lo técnico es extremadamente sencillo. Nadie tiene que conocer lo mínimo del fenómeno de la luz para obtener buenas imágenes, aun con celular en mano. Es por esto que ante una buena imagen —la que nos detiene por más de un minuto— nos inclinamos a preguntar «¿con qué cámara la tomaste?». Pensamos que todo es asunto del equipo y no de los ojos que pusieron el punto de vista, el encuadre y la composición, el momento para la foto.

Mi criterio evaluativo se funda en el artificio y maestría de la imagen y su contenido.

Hay imágenes que sobresalen ante nuestros ojos por la belleza o el interés en su contenido. Estas imágenes no muestran gran artificio, pues se llenan solas con los elementos que presentan. Esto resulta muy común con las imágenes de paisajes y reino animal. Tomar una vista de lugares geográficamente difíciles, inaccesibles, o de animales exóticos no es algo de todos los días. En esos casos, se premia al artista por la hazaña de estar allí, mirando con ojos propios, lo que no podemos alcanzar nosotros. Pensemos en el gran Ansel Adams y sus potentes y detalladas imágenes de Yosemite.

Pero también bajo este criterio hay imágenes de contenido sorpresivo, impresionante. Son imágenes que muestran un «momento decisivo» a lo Cartier-Bresson. Ante lo fugaz de la percepción, la velocidad del dedo en el obturador, la presencia en el momento correcto, la dirección de la mirada hacia el lugar específico, premian al artista. La belleza de estas imágenes cabalgan entre contenido y artificio. No es meramente lo que tienen dentro lo que nos agrada, sin el cómo está allí dentro. Y eso, es obra del artista. Henri Cartier-Bresson es el «epítome» de esta corriente, muy afincada a la fotografía de calle y el fotoperiodismo.

El resto de las imágenes no sobresalen por ese contenido, ni la presencia oportuna, sino por todo el artificio fotográfico que demuestran. Son las imágenes hábilmente elaboradas que emanan belleza por la «factura» de sus formas. Las imágenes de estudio, en interiores o exteriores, son el caso más obvio. El artista crea el contenido, presenta los sujetos, los viste o desviste, los coloca en el lugar que cree visiblemente más hermoso. Para estas imágenes no puedo inclinarme a alguien particular. En el retrato, Arnold Newman sobresale enormemente, creando escuela con el «retrato en su ambiente». En cuanto a moda, no puedo negar mi amor por el trabajo de Richard Avedon. Pero hay muchos otro buenísimos fotógrafos de estudio.

Por ahora concibo varios proyectos. Uno de ellos es realmente una serie de vida, de fotografía callejera: «Días de fiesta P. R.» Son imágenes tomadas en días o momento particulares. Imágenes de mi deambular por la ciudades de mi país, mirando, esperando lo inesperado; encontrando la belleza de lo que vemos cotidianamente como aburrido, llano. Hay belleza en todas partes. El resultado de este proyecto será un libro inicial que espero culminar pronto (verano 2017). Luego, vendrán otros de la serie. Espero les agrade.

Abajo coloco varios enlaces relacionados a la fotografía y los proyectos que son una vía directa a temas relacionados.)

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